Storia del punk: origini, band, cultura DIY e canzoni che hanno cambiato il rock
Aggiornamento: 19 ore fa
A cura di Edoardo Lomacci, Sound Selector di ViKingSo Music
Il punk non nasce semplicemente quando qualcuno decide di suonare il rock più velocemente. Alla metà degli anni Settanta mette insieme qualcosa che esisteva già nei garage americani, nell'attitudine degli Stooges, nell'underground newyorkese e nel malcontento di una generazione che si riconosce sempre meno nel rock diventato enorme, tecnico e spesso distante dal pubblico.
Quando esplode davvero, tra New York e Londra, cambia contemporaneamente suono, estetica e rapporto con l'industria musicale. Le canzoni diventano più brevi, la produzione può essere sporca, il virtuosismo smette di essere un requisito e intorno ai gruppi crescono piccoli club, fanzine, etichette indipendenti e scene locali.
Ma il punk non rimane fermo al 1977. Si irrigidisce nell'hardcore, si apre al reggae con i Clash, genera post-punk e new wave, attraversa l'Europa, assume forme differenti in Italia e riemerge nel mainstream degli anni Novanta con Green Day e The Offspring. Negli anni Duemila arriva a una nuova generazione attraverso blink-182, Sum 41 e altre band che ne accentuano la componente melodica.
La playlist IMMORTALS PUNK | Legendary Punk Songs del Sound Selector di ViKingSo Music nasce per seguire proprio questa genealogia: non soltanto i brani più conosciuti, ma i passaggi che permettono di capire perché musiche apparentemente lontane continuino ad appartenere alla stessa storia.
Prima del punk: garage rock, Stooges e proto-punk
Cercare un unico punto di nascita del punk porta inevitabilmente a semplificare. Prima che il termine descrivesse una scena precisa, durante gli anni Sessanta esistevano già band garage che lavoravano con pochi accordi, registrazioni ruvide e un'immediatezza molto distante dal rock più elaborato che sarebbe arrivato nel decennio successivo.
Nel passaggio verso gli anni Settanta diventano particolarmente importanti MC5 e The Stooges. Questi ultimi, guidati da Iggy Pop, portano sul palco un'energia fisica e imprevedibile e costruiscono brani basati su ripetizione, volume e tensione. I Wanna Be Your Dog, pubblicata nel 1969, conserva ancora oggi una semplicità quasi brutale; Search and Destroy, arrivata qualche anno dopo, sembra invece anticipare apertamente l'urgenza che caratterizzerà molte band punk.
Non erano ancora i Ramones e non esisteva un movimento punk organizzato. Si stava però formando un'idea: il rock poteva tornare a essere primitivo, diretto e persino scomodo.
Nello stesso percorso entrano Velvet Underground, New York Dolls e altre formazioni che, per ragioni musicali o culturali differenti, aiutano a creare il terreno nel quale la scena newyorkese degli anni Settanta potrà svilupparsi.
È qui che la parola proto-punk diventa utile, purché non venga trattata come un genere con confini rigidi: indica soprattutto una costellazione di gruppi che, prima dell'esplosione punk, ne anticipano diversi elementi.
New York, il CBGB e una scena che non suonava tutta allo stesso modo
La New York della metà degli anni Settanta è fondamentale perché il punk comincia finalmente ad avere luoghi, pubblico e una comunità riconoscibile.
Il nome inevitabile è CBGB, il piccolo locale del Bowery diventato uno dei centri simbolici dell'underground cittadino. Sul suo palco passano Ramones, Television, Patti Smith Group, Blondie, Talking Heads e Richard Hell, artisti che oggi vengono frequentemente accostati nella stessa ricostruzione storica ma che musicalmente erano tutt'altro che identici.
È un dettaglio importante. Il punk newyorkese non nasce con un manuale sonoro.
Television lavorano su intrecci di chitarre che hanno poco a che vedere con la velocità dei Ramones. Patti Smith porta poesia, garage rock e performance dentro una nuova scena. Blondie svilupperanno una sensibilità pop molto più ampia. I Talking Heads partiranno da quello stesso circuito per muoversi in una direzione ancora differente.
Poi arrivano i Ramones e qualcosa diventa immediatamente riconoscibile.
Il loro primo album del 1976 elimina buona parte di ciò che il rock del periodo aveva accumulato. Brani brevi, ritmica veloce, chitarra essenziale, melodie che devono molto anche al pop degli anni Sessanta e un'immagine visiva altrettanto precisa.
Blitzkrieg Bop non è importante perché inventi da sola il punk, ma perché rende immediatamente leggibile una formula che influenzerà migliaia di band.
Dietro l'apparente semplicità dei Ramones c'è anche una componente che diventerà fondamentale molti anni più tardi: il punk può essere aggressivo e melodico contemporaneamente. Senza quella lezione sarebbe più difficile comprendere una parte consistente del punk americano successivo e, più avanti, del pop punk.
Londra 1976-77: Sex Pistols, Clash e il punk come fatto pubblico
Quando quella tensione attraversa l'Atlantico, il contesto cambia.
La Gran Bretagna della seconda metà degli anni Settanta vive tensioni economiche, disoccupazione giovanile, conflitti sociali e una sensazione diffusa di assenza di prospettive. Il punk londinese entra dentro questo clima e assume una forza politica, mediatica e visiva molto più esplosiva.
I Sex Pistols ne diventano il simbolo più scandaloso.
Anarchy in the U.K. e God Save the Queen non funzionano soltanto come canzoni: diventano provocazioni pubbliche in un Paese ancora profondamente legato ai propri simboli istituzionali. Johnny Rotten, Steve Jones, Paul Cook e, nelle diverse fasi, Glen Matlock e Sid Vicious finiscono al centro di una tempesta che supera rapidamente il circuito musicale.
La loro discografia è sorprendentemente ridotta rispetto all'enorme spazio che occupano nella storia del rock. Ed è proprio questo uno degli aspetti più interessanti: il peso culturale dei Sex Pistols è enormemente superiore alla durata della loro prima vita come band.
Nello stesso momento i Clash mostrano che il punk può seguire un'altra strada. Joe Strummer, Mick Jones, Paul Simonon e Topper Headon partono dall'urgenza della scena londinese ma rifiutano presto di trattarla come una gabbia sonora.
Reggae, dub, ska, rockabilly, funk e successivamente persino linguaggi vicini all'hip hop entrano nella loro musica. White Riot appartiene apertamente alla prima esplosione punk; London Calling mostra già quanto il territorio si sia allargato.
Il contrasto tra Sex Pistols e Clash è utile per capire il genere. I primi incarnano rottura, provocazione e autodistruzione; i secondi sviluppano una coscienza politica più articolata e una curiosità musicale che li porterà lontanissimo dalla formula iniziale.
Accanto a loro ci sono The Damned, Buzzcocks, Siouxsie and the Banshees, X-Ray Spex, The Slits e molte altre band che rendono evidente quanto il punk britannico fosse già molto più complesso della sua caricatura.
DIY: la rivoluzione che va oltre il suono
Una delle eredità più importanti del punk non riguarda un particolare giro di chitarra.
Riguarda il principio Do It Yourself.
Se non trovi un'etichetta, puoi pubblicare un disco autonomamente. Se i media musicali non parlano della tua scena, puoi creare una fanzine. Se manca un posto in cui suonare, puoi organizzare una serata. Se il rock sembra appartenere soltanto a musicisti tecnicamente preparatissimi, puoi comunque prendere uno strumento e cominciare.
Il punk restituisce così spazio a chi si sentiva escluso dai meccanismi tradizionali della musica.
Da questa impostazione nasceranno reti indipendenti che avranno conseguenze enormi ben oltre il punk stesso: etichette, locali, distribuzione alternativa, fanzine, radio universitarie e circuiti nei quali una band può costruire il proprio pubblico senza dipendere immediatamente dalle major.
È anche per questo che ridurre il punk a una sequenza di artisti famosi è insufficiente. La sua storia è composta da gruppi diventati iconici, ma anche da centinaia di scene locali che hanno funzionato grazie a infrastrutture create dal basso.
Quando il punk diventa più veloce: hardcore americano
Tra la fine degli anni Settanta e l'inizio degli Ottanta, negli Stati Uniti una nuova generazione prende la velocità e l'essenzialità del punk e le porta ancora più avanti.
Nasce l'hardcore punk.
A Los Angeles e in California emergono gruppi come Black Flag e Circle Jerks; a San Francisco i Dead Kennedys usano sarcasmo e attacco politico; Washington D.C. sviluppa una scena fondamentale con Bad Brains e Minor Threat. Sulla East Coast i Misfits costruiscono invece un universo nel quale velocità, melodie e immaginario horror diventano immediatamente riconoscibili.
Le canzoni si accorciano ulteriormente, le esecuzioni diventano più aggressive e la rete DIY assume un'importanza ancora maggiore.
L'hardcore non rappresenta semplicemente un punk “più pesante”. Costruisce proprie scene, proprie etichette e propri codici culturali. Da quell'ambiente partiranno inoltre evoluzioni che influenzeranno metal, alternative rock, emo e molte delle forme indipendenti sviluppatesi nei decenni successivi.
Post-punk, anarcho-punk, street punk: il punk comincia a frammentarsi
Quasi immediatamente il termine punk smette di indicare una sola direzione.
Una parte degli artisti continua a spingere su velocità e aggressività; altri usano la rottura del 1976 come punto di partenza per sperimentare.
Dal post-punk arrivano bassi più centrali, ritmi meno legati al rock tradizionale, elettronica, dub, atmosfere più scure e una ricerca che conduce verso band molto differenti fra loro. Joy Division, Gang of Four, Wire, Public Image Ltd e Siouxsie and the Banshees mostrano quanto rapidamente il linguaggio possa cambiare.
Nello stesso periodo si sviluppano anarcho-punk, street punk e Oi!, ciascuno con identità e contesti propri. Gruppi come Crass portano il principio DIY verso una dimensione apertamente politica e radicale, mentre altre scene mantengono maggiormente il rapporto con strada, working class e coralità.
Negli Stati Uniti, tra anni Ottanta e Novanta, il movimento riot grrrl porterà inoltre il punk dentro un nuovo spazio di attivismo femminista e produzione indipendente, con band come Bikini Kill e Bratmobile.
Non tutte queste musiche finiscono necessariamente sotto la stessa etichetta in modo incontestabile, ma hanno una radice comune: il punk aveva aperto una porta che ormai non poteva più essere richiusa.
Dal circuito indipendente al mainstream: Green Day e The Offspring
Negli anni Ottanta il punk non scompare. Continua a svilupparsi nei circuiti indipendenti americani, soprattutto in California, e prepara una nuova trasformazione.
Nel 1994 succede qualcosa di difficilmente ignorabile.
I Green Day pubblicano Dookie. Nello stesso anno The Offspring pubblicano Smash. Due album diversi, provenienti da percorsi differenti, che portano nuovamente punk rock e derivazioni al centro dell'attenzione internazionale.
I Green Day accentuano una componente melodica che era sempre esistita nel genere. Basket Case, Longview e When I Come Around entrano in una dimensione enormemente più ampia rispetto a quella dei piccoli club punk.
The Offspring, con Come Out and Play e Self Esteem, ottengono un risultato altrettanto decisivo mantenendo inizialmente il legame con Epitaph, una delle etichette simbolo del punk indipendente americano.
Il 1994 non “inventa” il pop punk e non rappresenta un ritorno improvviso di qualcosa che nel frattempo era morto. È piuttosto il momento in cui un processo lungo anni diventa visibile al pubblico di massa.
blink-182, Sum 41 e la generazione pop punk
Alla fine degli anni Novanta il rapporto tra punk e pop si sposta ancora.
Con Enema of the State del 1999 i blink-182 diventano uno dei gruppi centrali della nuova generazione. La produzione è molto più levigata rispetto al punk delle origini, i ritornelli sono costruiti per essere immediati e MTV diventa un veicolo fondamentale.
Ma sotto quella superficie rimangono elementi che arrivano dalla tradizione punk californiana: velocità, tre strumenti, melodie dirette, concerti fisici e un linguaggio costruito intorno all'esperienza giovanile.
Nei primi Duemila Sum 41, New Found Glory, Good Charlotte e molte altre formazioni allargano ulteriormente quel pubblico. Nello stesso periodo punk, skate punk, emo e alternative finiscono spesso per condividere festival, pubblico e circuiti, anche quando musicalmente le differenze restano significative.
È uno dei momenti in cui nasce anche una discussione destinata a tornare continuamente: quanto può diventare popolare il punk prima di smettere di essere punk?
La storia del genere suggerisce che non esiste una risposta semplice. Già i Ramones cercavano melodie immediate; i Clash volevano parlare a un pubblico ampio; il punk ha continuamente negoziato il rapporto tra indipendenza e industria.
Più utile, quindi, è osservare cosa rimane e cosa cambia.
Il punk italiano: non una copia di Londra
Anche in Italia il punk assume presto caratteristiche proprie.
Tra la fine degli anni Settanta e gli Ottanta si sviluppano scene legate a città e centri sociali, con gruppi che assorbono punk, hardcore, post-punk e new wave traducendoli dentro un contesto politico e culturale differente da quello britannico o americano.
Tra i nomi che hanno lasciato un segno particolarmente forte ci sono CCCP – Fedeli alla linea, nati nel 1982 intorno a Giovanni Lindo Ferretti e Massimo Zamboni.
Con loro la definizione di punk diventa immediatamente insufficiente. Emilia, Berlino, iconografia sovietica, new wave, post-punk, teatro e provocazione politica vengono messi nello stesso progetto. Emilia paranoica, Io sto bene, Morire e Amandoti non sembrano il tentativo di riprodurre Sex Pistols o Ramones in italiano: costruiscono un linguaggio autonomo.
Ed è probabilmente questo il punto più interessante quando il punk attraversa i confini. Sopravvive davvero quando smette di essere imitazione e viene deformato dalla cultura locale.
La storia italiana comprende naturalmente molto altro: dalla prima ondata fino all'hardcore sviluppatosi in diverse città, il genere ha prodotto scene con reti indipendenti proprie e un peso che non può essere riassunto in una sola band.
I CCCP rimangono però un passaggio particolarmente utile dentro IMMORTALS | Legendary Punk Songs perché mostrano con chiarezza quanto lontano potesse arrivare l'idea originaria.
Le canzoni immortali del punk non appartengono tutte allo stesso punk
È qui che una playlist storica rischia facilmente di sbagliare.
Mettere in fila Stooges, Ramones, Sex Pistols, Clash, Misfits, Dead Kennedys, Green Day, The Offspring, blink-182, Sum 41 e CCCP senza spiegare cosa succede tra un'epoca e l'altra trasformerebbe cinquant'anni di musica in un generico contenitore di chitarre veloci.
IMMORTALS | Legendary Punk Songs segue invece le trasformazioni.
Le radici più ruvide permettono di arrivare alla prima scena newyorkese. Ramones e Sex Pistols mostrano due modi differenti di definire la rottura originaria. I Clash ne allargano immediatamente i confini. Hardcore e scene indipendenti radicalizzano il principio DIY. Gli anni Novanta riportano quelle formule davanti a milioni di ascoltatori, mentre il pop punk degli anni Duemila mette ancora più al centro melodia e produzione.
Nel mezzo ci sono contaminazioni, deviazioni e scene nazionali che impediscono di trattare il punk come un blocco unico.
“IMMORTALS PUNK | Legendary Punk Songs” è un viaggio tra le canzoni che hanno trasformato rabbia, velocità e indipendenza in cultura.
Dalle radici degli Stooges e degli MC5 ai Ramones; dai Sex Pistols e dai Clash all’hardcore americano; dai Misfits al punk melodico; da Green Day, The Offspring, Rancid, Blink-182 e Sum 41 fino alla scena italiana di CCCP, Negazione, Raw Power, Nabat e Punkreas.
Una mappa per entrare nel punk dalla porta principale, comprenderne le radici e riconoscere le canzoni che, dopo decenni, continuano a sembrare necessarie.
Perché il punk continua a tornare
Il punk appartiene agli anni Settanta soltanto se lo si guarda attraverso le fotografie.
Molte delle strutture che ha contribuito a rendere normali produzione indipendente, piccoli circuiti, autopubblicazione, estetica costruita dal basso, comunità locali continuano a riapparire ogni volta che una nuova scena cerca spazio fuori dai canali dominanti.
Anche musicalmente il suo vocabolario continua a essere riutilizzato. A volte ritorna nella sua forma più ruvida, altre volte entra nel pop, nell'alternative, nell'emo, nel rap-rock o in nuove produzioni che non avrebbero alcun motivo di definirsi punk in senso stretto.
Forse è proprio per questo che una cronologia del punk non può chiudersi davvero con una data.
Dal garage degli anni Sessanta al CBGB, da Londra all'hardcore americano, dai CCCP alla California degli anni Novanta fino al pop punk del nuovo millennio, ciò che rimane non è un'unica formula sonora. È la possibilità di prendere quello che esiste, ridurlo, deformarlo e ricominciare.
E poi alzare di nuovo il volume.
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